Le Pop Art italien raconte un pays transformé par la publicité, le cinéma, la télévision et la société de consommation. Pendant les années du boom économique, Mario Schifano, Tano Festa et Franco Angeli font entrer ce nouvel univers visuel dans leurs œuvres, en le reliant souvent à la mémoire de l’histoire de l’art.
Pop Art vient de Popular Art, mais le mot « populaire » renvoie ici à la culture de masse et à la circulation des images. Et dire que ces œuvres inspirées de sujets si familiers ont rejoint les grands musées et atteint des prix astronomiques ! Ce paradoxe continue de me fasciner.
L’histoire du Pop Art italien
En Italie, de nouvelles recherches sur l’image apparaissent dès la fin des années 1950 et le début des années 1960. Rome devient l’un des principaux lieux de rencontre entre artistes, galeristes, écrivains et cinéastes. La peinture s’ouvre alors à la photographie, aux objets et aux images en mouvement.
La Biennale de Venise de 1964 marque un tournant dans la réception de l’art américain en Europe. Comme le rappelle l’histoire de la Biennale, Robert Rauschenberg y reçoit le Grand Prix. L’expérience italienne ne naît pourtant pas avec cette manifestation : elle participe déjà à un dialogue international, notamment lors de l’exposition New Realists à New York en 1962.
Les principaux artistes du Pop Art italien
Mario Schifano, Tano Festa, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Cesare Tacchi, Renato Mambor et Mario Ceroli développent des langages personnels à partir des images de leur époque. Mimmo Rotella partage cet intérêt pour les médias et la publicité, mais son parcours s’inscrit également dans l’histoire du Nouveau Réalisme.
Le panorama national comprend aussi les recherches figuratives de Valerio Adami et d’Emilio Tadini. Les réunir sous une même étiquette ne doit pas faire oublier leurs différences : chacun entretient une relation singulière avec le récit, les signes et la mémoire.
Les artistes de la Piazza del Popolo
L’École de la Piazza del Popolo désigne surtout un milieu de rencontres et d’expérimentations, plutôt qu’un groupe régi par un manifeste commun. Autour de galeries comme La Tartaruga et La Salita, les artistes explorent les transformations d’une image lorsqu’elle est isolée, agrandie, répétée ou transposée dans un autre matériau.
Mario Schifano
Mario Schifano (1934-1998) passe librement de la peinture à la photographie et au cinéma. Des monochromes aux signes publicitaires, des Paesaggi anemici aux images télévisuelles, il transforme la toile en un écran sur lequel le monde contemporain apparaît par fragments.
Les œuvres du catalogue Egidi MadeinItaly permettent d’approcher cette recherche. Inventario et Paesaggio TV, présenté en français sous le titre Paysage TV, datent de la première moitié des années 1970. Réalisées à l’émail sur toile émulsionnée, elles font dialoguer l’image photographique, la télévision et le geste du peintre.
Pour découvrir sa peinture des années 1980, Amore nel deserto, réalisé vers 1985, offre un autre regard. Des palmes blanches, des cœurs colorés et un bleu intense composent une image immédiate, portée par une grande liberté picturale.
Tano Festa
Tano Festa (1938-1988), frère de l’artiste Francesco Lo Savio, transforme portes, fenêtres, persiennes et miroirs en présences énigmatiques. Il reprend aussi des œuvres de Michel-Ange à travers leurs reproductions photographiques. Le chef-d’œuvre devient ainsi une image familière, susceptible de circuler et de changer de sens.
Ce dialogue avec l’histoire de l’art prend une autre forme dans Hommage à De Chirico, une œuvre sur papier de 1976 présentée dans notre catalogue.
Franco Angeli
Franco Angeli (1935-1988) travaille à partir d’aigles, de monnaies et de symboles politiques. Détachés de leur contexte officiel, ces emblèmes deviennent des images incertaines, traversées par la mémoire et l’histoire.
Dans Half Dollar noir et or, daté de 1966, l’aigle et les inscriptions du demi-dollar américain invitent à réfléchir à l’argent et au pouvoir. Le catalogue documente également sa lithographie Aigle romain, autre exemple de son intérêt pour les signes de la vie collective.
Giosetta Fioroni
Giosetta Fioroni apporte à cette scène artistique une dimension intime. Dans ses Argenti, les visages et les figures empruntés aux photographies et aux magazines prennent une lumière argentée, comme suspendus entre l’image imprimée et le souvenir personnel.
Sa recherche traverse la peinture, le dessin, la photographie et la céramique. La féminité, l’enfance et la mémoire y occupent une place essentielle, sans se réduire à un simple commentaire de la culture de masse.
Cesare Tacchi
Cesare Tacchi est notamment connu pour ses tableaux rembourrés, souvent désignés comme des tappezzerie. Figures, poses et intérieurs apparaissent sur des surfaces qui évoquent les tissus d’ameublement. Le tableau prend du volume et se rapproche de l’objet domestique, dans un jeu subtil entre représentation et présence matérielle.
Renato Mambor
Renato Mambor explore la peinture, la performance et le théâtre. Silhouettes simplifiées, signes et gestes répétés lui permettent d’interroger la relation entre une image et celui qui la regarde. Notre catalogue présente un prolongement de cette recherche avec Il Riflettore, une œuvre de 1992.
Mario Ceroli
Mario Ceroli fait entrer la figure dans l’espace grâce aux silhouettes et à des matériaux comme le bois. La répétition des formes et leur présence physique créent un dialogue entre sculpture, image et environnement. Le regard ne se limite plus à la surface du tableau.
Mimmo Rotella
Mimmo Rotella (1918-2006) transforme les affiches arrachées aux murs en matière artistique. Dans ses décollages, les déchirures révèlent plusieurs couches d’images, de mots et de couleurs. La ville entre dans l’œuvre avec les traces du temps et de la communication publicitaire.
Sa première exposition personnelle se tient à la galerie Chiurazzi de Rome en 1951. Une bourse Fulbright lui permet ensuite de séjourner à Kansas City en 1951-1952. La chronologie du Mimmo Rotella Institute documente ces étapes. Après son retour en Italie, ses recherches sur les affiches prennent une place centrale dans son travail.
Son lien avec le Nouveau Réalisme permet de mieux comprendre la singularité de cette démarche. Le cinéma et les vedettes le rapprochent de l’imaginaire pop, sans résumer toute son œuvre. Notre article consacré à la technique du décollage approfondit cette pratique.
Ressemblances et différences entre Pop Art italien et américain
La publicité, le cinéma, les objets de consommation et les images reproduites forment un terrain commun. Cependant, les artistes italiens relient souvent ces sujets à une mémoire historique très présente. Les références de Festa à Michel-Ange et les symboles romains d’Angeli montrent que le passé peut lui aussi devenir une image reconnaissable et partagée.
Aux États-Unis, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg et Tom Wesselmann proposent des réponses différentes à la société de consommation. Bandes dessinées, produits commerciaux et corps sont transformés par l’agrandissement, la répétition ou le changement de matériau. Pour explorer ce versant du mouvement, retrouvez notre article sur Roy Lichtenstein et le Pop Art américain.
Le visage de Marilyn Monroe constitue l’un des points de rencontre les plus évidents. Chez Rotella, l’icône du cinéma se confronte aux déchirures et aux fragments de l’affiche. La fiche de Marilyn reste consultable dans notre catalogue, même si cette œuvre a été vendue.
Quand et où naît le Pop Art
Les origines du Pop Art se trouvent dans la Grande-Bretagne des années 1950, notamment dans les réflexions de l’Independent Group sur la culture de masse. Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi jouent un rôle important dans cette première phase, présentée dans l’introduction des National Galleries of Scotland.
En 1962, le mouvement gagne une visibilité décisive aux États-Unis. L’exposition New Realists, organisée à la Sidney Janis Gallery de New York, confronte des recherches américaines et européennes. Le 13 décembre de la même année, le MoMA consacre un débat public au Pop Art, comme le confirme son communiqué d’époque. Des images jusque-là considérées comme banales ou commerciales modifient les questions adressées à l’art.
Les antécédents du Pop Art
Robert Rauschenberg et Jasper Johns contribuent à cette évolution dès les années 1950. Dans les Combines, Rauschenberg associe peinture et objets réels. Johns travaille sur des formes familières comme les drapeaux, les cibles et les chiffres.
Un épisode emblématique est Erased de Kooning Drawing, réalisé en 1953. Rauschenberg demande à Willem de Kooning un dessin qu’il pourra effacer et obtient son accord. Comme l’explique la notice du San Francisco Museum of Modern Art, ce geste ouvre une réflexion sur la possibilité de créer une œuvre par soustraction.
L’importance du Pop Art
À mon avis, le Pop Art a bouleversé le concept même de l’art. Il a placé au centre de notre attention des images rencontrées chaque jour et remis en question les liens entre invention, reproduction et unicité.
Par la répétition et la sérigraphie, Warhol élabore un langage apparemment mécanique et froid. Pourtant, cette distance nous invite à observer le pouvoir des images, le désir de les posséder et la facilité avec laquelle elles deviennent des objets de consommation.
Marcel Duchamp souligne la portée conceptuelle de cette répétition. Dans une remarque rapportée par Rainer Crone dans Andy Warhol (1970, p. 22), il affirme :
« Ce qui nous intéresse, c’est l’idée de mettre cinquante boîtes de soupe Campbell’s sur une toile. »
Marcel Duchamp, extrait traduit en français, cité dans la notice de Christie’s consacrée à Group of Five Campbell’s Soup Cans.
C’est aussi, pour moi, le charme durable du Pop Art en Italie : reconnaître une image familière et découvrir que le regard d’un artiste lui a donné un sens inattendu.