Antonio Donghi

Antonio Donghi est mort le 19 juillet 1963 à Rome, la ville où il était né le 16 mars 1897.

Il a fréquenté l’Institut des beaux-arts de Rome.

Après une brève expérience cubiste, il a rejoint ce groupe d’artistes, auquel appartiennent également Virgilio Guidi, Amerigo Bartoli, Carlo Socrate, Riccardo Francalancia et Francesco Trombadori, qui travaillaient à Rome dans les années 1920, et s’opposèrent aux tendances formalistes de l’époque pour revenir à une forme qualifié de claire et sans ombres.

La peinture de cette période a trop souvent été désignée de manière générique comme peinture du  XXe siècle italien , alors qu’il convient en revanche de distinguer et d’identifier parmi les différents artistes, la personnalité d’Antonio Donghi avec sa « rhétorique de la simplicité » et de la confronter, par exemple, à celle de Mario Sironi avec sa « rhétorique de la grandiloquence ».

Réalisme magique

Le Réalisme magique italien, également connu sous le nom de « Realismo magico », est un mouvement artistique des années 1920-1930 en Italie, influencé par le groupe Novecento.

Il se caractérise par une représentation précise et détaillée de la réalité quotidienne, imprégnée d’une atmosphère mystérieuse, énigmatique et parfois surréaliste, comme dans les œuvres d’artistes tels qu’Antonio Donghi ou Felice Casorati.

Ce style transforme l’ordinaire en une vision poétique et immobile, explorant le silence et l’étrangeté du monde visible.

Antonio Donghi, l’un des principaux représentants du réalisme magique italien, a acquis une reconnaissance critique internationale depuis les années 1980. Ses œuvres, imprégnées d’un imaginaire à la fois abstrait et réaliste, occupent désormais une place centrale dans les expositions consacrées aux années 1920 et 1930.

Beaucoup d’autres ont parlé, ne serait-ce que brièvement, d’Antonio Donghi, comme Cesare Brandi, Alfredo Mezio, Virgilio Guzzi, Emilio Cecchi, Leonardo Sinisgalli et Leo Longanesi.

En 1927, Antonio Donghi reçoit la First Honorable Mention de l’Institut Carnegie de Pittsburgh.

Mais ces tout premiers témoignages d’estime à l’égard d’un artiste qui semblait isolé du monde n’ont pas vraiment contribué à briser l’isolement et le silence.

La renommée d’Antonio Donghi est restée liée au petit cercle romain, comme un cas extravagant, comme un exemple de candeur d’un primitivisme cultivé et raffiné.

Une grande exposition posthume organisée par la galerie La Nuova Pesa en novembre 1963, a rouvert d’une certaine manière le dossier d’Antonio Donghi qui, du reste, est aussi le dossier des valeurs plastiques qui, dans les années 1920, ont alterné en Italie, le retour à la tradition

Quoi qu’il en soit,  de son vivant, Antonio Donghi n’a jamais été vraiment compris par les critiques, et surtout à la fin des années 1920, l’attention qu’on lui portait a diminué. Il a ensuite été redécouvert et apprécié à l’époque moderne.

Oeuvres d’Antonio Donghi

Voici quelques exemples d’œuvres notables d’Antonio Donghi, peintre italien associé au réalisme magique. Ces tableaux illustrent son style caractérisé par une précision formale et une atmosphère énigmatique :

Il giocoliere (Le Jongleur, 1936)

Une représentation statique d’un artiste de cirque, emblématique de son fascination pour la vie circassienne.

Via del Lavatore (1922)

Une vue urbaine romaine, marquant ses débuts dans le mouvement néoclassique. Les caractéristiques essentielles du style d’Antonio Donghi sont déjà visibles dans son œuvre de jeunesse intitulée « Les lavandières étendant les draps », où l’artiste peut rappeler les maîtres hollandais.

Lavandaie (Les Lavandières, 1922-1923)

Des figures féminines au travail, avec une rigidité archaïque rappelant Piero della Francesca.

Giovinetta

À propos de ces tableaux et d’autres, y compris des portraits, (« Figure di Giovine donna » est particulièrement remarquable), Emilio Lavagnino parle de

« compositions très étudiées et élancées » exécutées selon une « technique d’artiste du XVe siècle, rodée jusqu’à les faire ressortir dans l’espace avec une évidence métaphysique ».

Madre e figlia (Mère et fille, 1954)

Un portrait intime et immobile d’une mère et sa fille, vendu à un prix record aux enchères.

Convento (Couvent, 1928)

Une scène urbaine paisible avec un couvent, capturant la quiétude quotidienne.

Gita in barca

Les œuvres « Fiori » et « Gita in barca », réalisées en 1931, et l’admirable « Giocoliere » de 1936, renvoient à des auteurs du XVIIIe siècle.

Et elles le sont encore plus dans « Canarino » et dans les différentes scènes de cirque et de vie domestique qu’il a peintes autour de 1930.